viernes, 25 de junio de 2010

Puntillismo

Es una técnica que consiste en pintar a base de pequeños puntos de color puro, representa la vibración luminosa mediante la aplicación de puntos, que al verlos de una cierta distancia conforman figuras y paisajes bien definidos, los colores nunca se mezclan, por lo tanto es el ojo del observador quien los junta. El puntillismo es considerado una corriente que continúa el impresionismo.
El puntillismo se diferencia del Impresionismo, porque no busca la concepción sobre las formas y los volúmenes, por que en el puntillismo, las formas son concebidas dentro de una geometría de masas puras siendo sus cuadros ejemplos de orden y claridad.










Paul Signac

Un gran representante y seguidor de la técnica del puntillismo fue Paul Signac, nació en París el 11 de noviembre de 1863, perteneciente a una familia pudiente, fue gran amigo y seguidor de Seurat, fue el transformo los pequeños puntos en pinceladas más amplias aportando mayor dinamismo a sus cuadros, Fue presidente de Société des Artistes Indépendants» desde 1908 hasta el día de su muerte el 15 de agosto de 1935.



jueves, 24 de junio de 2010

Vicent Van Gogh

Vincent Van Gogh nació en Zundert (Holanda) en 1853, fue hijo de un pastor evangelista. No fue una persona muy sociable debido a que tenia un carácter arisco, siendo así que su hermano menor, Theo, fue su mejor amigo. Empezó a trabajar los dieciséis años como aprendiz en la galería de arte Goupil en La Haya. A Van Gogh desde pequeño le atraía el arte, era por eso que le agradaba su trabajo. Le gustaban las pinturas del holandes Rembrandt y los paisajes de los pintores franceses Barbizón como Millet. Fue Bruselas y posteriormente a Londres, donde tuvo su primera crisis al enamorarse de la hija de los dueños de la pensión donde se alojaba, Úrsula Loger, la cual rechazó su proposición de matrimonio. Nuevamente la galería Goupil lo destinó a París y en 1876 acabó siendo despedido. Posteriormente siguió los pasos de su padre ingresar en la escuela evangélica. No siendo admitido en la Facultad de Teología protestante de Ámsterdam, se preparó en un centro protestante de Bruselas y fue enviado en 1879 como misionero evangelista a Wasmes, en la región de Borinage. Fue una época trascendental para Van Gogh, se dedicó por completo al cuidado de los mineros, despreocupándose de la ropa, de la comida y de los asuntos terrenales. Finalmente, en 1880 regresó agotado a casa de sus padres y decide dedicarse a la pintura.



Su estilo: pintaba a gente trabajando en los cuales expresara sus sentimientos. Van Gogh refleja con claro realismo la vida cotidiana de los menos protegidos, teniendo como punto de partida a los pintores realistas franceses como Millet. También tuvo un claro referente en Rembrandt en cuanto al cromatismo. Sus gamas ahora serán oscuras, los ambientes pobremente iluminados y con tensiones de luces y sombras.





El dormitorio del artista en Arlés en esa pintura Van Gogh considera al color como todo, su simplificación, que da una mayor grandiosidad a las cosas, siendo su objetivo provocar el descanso o el sueño en general. Observamos la clara influencia de los grabados japoneses en la sencillez del dibujo, los espacios planos de color, las pronunciadas perspectivas y la ausencia de sombras. La pintura está aplicada en capas espesas, las pinceladas negras envuelven a los objetos y delimitan los espacios, dando la sensación de que están llenos de color. El amarillo, que predomina en el cuadro, es el color de la luz del sol, la calidez y la felicidad.



viernes, 18 de junio de 2010

Influencia del Japonismo

Es el arte japonés que influyo en Europa, especialmente en los pintores franceses en la segunda mitad de siglo XIX.

Las características influyentes que se ven en este movimiento se encuentran en los colores por las áreas planas, en la perspectiva poco común, en las luces sin sombras; además de la composición totalmente libre donde los personajes se encontraban descentrados. Siendo completamente contrastantes con el arte clásico.

Los artistas japoneses influyentes fueron Utamno y Hokusai, los cuales tuvieron influencia en Manet, Toulouse Lautrec, Monet, van Gogh, entre otros.

Se considera a Manet el que introduj las técnicas japonesas en el impresionismo, debido a que fue él quien manifestó en sus pinturas el conocimiento que tenia de la línea libre, principalmente de las características de las estampas japonesas.


Pintura de van Gogh

viernes, 11 de junio de 2010

Escuela de Barbizón


La Escuela de Barbizón fue el conjunto franceses reunidos en Barbizón. Ellos fueron parte del Realismo pictórico francés, que surgió
en reacción al romanticismo. Ellos mantienen un estilo realista, pero con parte de romántico. Se dedica a la realización de paisajes al detalle y de la naturaleza. Esto influye en la pintura francesa, en especial en el Impresionismo, que aparece posteriormente. Toman apuntes al aire libre para realizar sus obras en sus estudios. Dejaron de lado la pintura de la vida campestre y mostraron un lado escrupuloso de la naturaleza. Esta observación de lo natural produce un efecto sentimental .

Jean-Francois Millet

Uno de los representantes del realismo es Jean-Francois Millet. Nació en Francia en 1814. Perteneció a una familia de campesinos y gracias a una beca pudo estudiar pintura en París. Comenzó realizando retratos y cuadros mitológicos, distintos a los temas campesinos que posteriormente realizó. Con la realización de estos cuadros pretendía enaltecer la vida y las ocupaciones diarias de la gente que trabaja en el campo. Una de las obras con las cuales se inicia es El Cribador. Más adelante, presenta Las Espigadoras, El Angelus y El sembrador. En todos los casos presenta a la figura humana bien definida con un fondo de paisaje verídico. En 1849 se estableció en barbizón donde permaneció hasta el resto de sus días.

El Realismo


El realismo surge a consecuencia de la implantación de la burguesía. Además, surge la industrialización lo que genera problemas sociales que son temas de preocupación de los artistas.
El trabajo que realizaban los niños y mujeres era bastante ardua y las jornadas laborales eran interminables.
Se genera también un desencanto de los estímulos revolucionarios que es lo que lleva a los artistas a olvidarse del tema político.
Buscan representar el mundo del momento de manera real y sin idealismos. No hay ningun tipo de belleza preconcebida.



jueves, 10 de junio de 2010

El impresionismo en Italia

Federico Zandomeneghi

Nació en Venecia el 2 de junio de 1841, perteneciente a una familia de artistas ya que su padre y su abuelo eran escultores, recibió estudios en la Academia d Bellas Artes, fue un reconocido pintor impresionista, se hace partidario del grupo de Giuseppe Garibldi, debido a su relación con la política tuvo que trasladarse a Florencia donde luego formaría parte del grupo de los Macchiaioli, fue ahí donde comenzó a realizar las pinturas al aire libre, es ahí donde experimenta ideas innovadoras y la espontaneidad con respecto a la luz. Era seguidor de Renoir. Luego se traslada a Paris, es aquí donde empieza a relacionarse con pintores impresionistas, con ellos realiza sus primeras exposiciones, Zandomeneghi era un impresionista que le gustaba reflejar la vida moderna. Con el tiempo obtiene éxito. Fallece en Paris en 1917.



Giuseppe De Nittis

Nació el 25 de febrero de 1846 en Barletta. Recibió estudios junto al pintor Giovanni Battista Calò y posteriormente en el Instituto de Bellas Artes de Nápoles, del cual fue expulsado por mostrarse desinteresado a los ejercicios académicos, años después funda su propia escuela a la cual llama Escuela de Resina. Luego se traslada a París, donde conoce a Léontine, la mujer con quien mas adelante contrae matrimonio, es ella quien lo influenció mucho en su posicionamiento social y artístico. Es en París donde es invitado a realizar una exposición, por ser el único italiano en participar en la exposición de impresionistas. Con esa exposición llega a la cima del éxito, exhibiendo once obras. Fallece en 1884





El impresionismo en Holanda

Entre los artistas más destacados del impresionismo holandés encontramos a Johan BartholdJongkind que realizó sus estudios de dibujo en La Escuela de la Haya, donde usaban colores fríos y oscuros. Se vio motivado a seguir en el mundo de la pintura ya que gana una beca y logra vender uno de sus cuadros en Ámsterdam. Luego viaja a Paris y a Normandía donde realiza pinturas con acuarelas resaltando las luces (a diferencia de su escuela), mayormente sobre temas relacionados con el agua como playas y ríos. En ocasiones realizaba los mismos cuadros pero en diferentes estaciones y con distintos tonos de iluminación. Años después su situación fue mala pero volvió a estabilizarse al realizar un cuadro con Monet y Boudin.

Los pintores del impresionismo francés fueron influenciados por los holandeses por los cuadros colocados en el Museo de Louvre. El antes mencionado Johan Barthold Jongkind fue uno de los maestros más importantes en Francia.



IMPRESIONISMO

El Impresionismo se desarrollo a finales del siglo XIX, con la intención de romper con el arte académico establecido en las Academias referente a los temas clásicos utilizados en la pintura repetitivamente hasta ese momento.

El impresionismo opta por tocar en la pintura temas al aire libre y la vida cotidiana, con la intensión de captar una representación del mundo más directa y espontánea. Usaban la luz como su principal recurso para recrear las ambientes y las sutilezas de los personajes y de las acciones. Esto ocasiono que se dejaran de lado los detalles minuciosos y las estructuras sugeridas por los estudios clásicos. Alcanzando así efectos parecidos a la realidad sobre el lienzo.




Tanto Camille Corot y la Escuela de Barbizon influenciaron en los pintores impresionistas. Corot con su estilo de utilizar espacios planos, sencillos y en superficies luminosas, mientras que la Escuela de Barbizon influyo especializando a los pintores en paisajes y en su estudio directo de lo natural.

Los avances científicos contribuyeron a que se obtuvieran mayor cantidad de pigmentos de colores en el óleo, consiguiendo pureza de sus colores en las pinturas; incluso las sombras empezaron a ser color fríos y ya no colores oscuros. Los colores permitieron, también, definir el volumen mediante matices.

La forma pasa a un segundo plano utilizada ya no por el pintor sino que ahora mayormente por el dibujante. Los artistas eligieran espacios con interiores de luz artificial, los cuales les resultara un reto.

La pintura del impresionismo en España



En desarrolla en la pintura española la pintura paisajística, que evoluciona y revoluciona la técnica de Velázquez. Dentro de los paisajes encontrados está la variedad de paisajes de regiones de España.
Dentro de los pintores más resaltantes están:
- Darío Regoyos, quien se formó como paisajista en la escuela belga de Haes. Hizo un viaje por España recogiendo apuntes de los paisajes. Al impresionismo le agregó elementos de la escuela Puntillista.

-Beruete y Monet fue uno de los pintores más importantes. A pesar de ser impresionista, no posee las características de sus colegas franceses. Él estudió en París. Se dedicó también a la historia del arte. Como la mayoría de españoles, se dedicó a la pintura de paisajes.

-Otro pintor importante fue Ramón Casas. Es conocido por sus retratos, caricaturas y pinturas de la élite social, intelectual, económica y política de Barcelona, Madrid y París. Trabaja también interiores modestos, patios, plazas y jardines.

domingo, 30 de mayo de 2010

El Romanticismo


El Romanticismo es un movimiento que nace a fines del siglo XVIII en el Reino Unido pero se consolida en Alemania. Es una reacción que está en contra de todo lo que es la razón y solo se basa en los sentimientos (a veces con exageración como sucede en las pinturas).

Este movimiento aparece después en España (1810) y basan sus ideas en el ámbito cultural y político.

El Romanticismo nació después de la Revolución Industrial, La Revolución Francesa y de los derechos individuales planteados en América. Este nuevo movimiento acabó con el estilo clásico, las reglas, la razón y tuvo rechazo al neoclasicismo.

Algunas características:

Busca el movimiento y se tratan los sentimientos y emociones de los autores.

Muestra las ideas de la Revolución Francesa.

Los temas más importantes que plasmaron fueron la libertad total, el nacionalismo y también ilustran elementos de la naturaleza.

Hay drama en los trabajos artísticos, elementos exóticos y algunos tienen personajes fantasiosos como monstros.

jueves, 27 de mayo de 2010

Arquitectura en el Romanticismo

En el Romanticismo, en cuanto a la arquitectura, se ve que se adoptan estilos de otras épocas. Se manifestó con un nuevo medievalismo, básicamente en la arquitectura eclesiástica. Asimismo, se ve que en Italia, se regresa al gótico para pasar luego por el renacimiento. Los franceses pasan por el estilo Luis XIII, barroco y rococó.
Se busca plasmar la naturaleza no solo armoniosa, sino también grandiosa y salvaje. Esto se ve en los edificios monumentales.
En Italia una de las obras más importantes es el monumento a Victor Manuel II, construida por Giuseppe Sacconi. En Gran Bretaña, prevaleció el estilo gótico , asi que se construyeron castillos neogóticos. En Francia se restauraron muchos templos del gótico. la Iglesia de Santa Clotilde fue una de las que se construyeron bajo esta concepción. En España, se copiaron estilos antiguos como el bizantino y gótico.

Pintura del Romanticismo

En la pintura del romanticismo, se puede encontrar el subjetivismo y la originalidad. Por medio del dramatismo, se logra sensibilizar a las personas. Usualmente se usa el claroscuro y el colorido es propio de esta época, el cual es más importante que el dibujo. Se le puede denominar también al romanticismo como un neo-barroco, pues presenta en sus obras movimiento, tensión, empuje, contrastes y colores.Dentro de los temas usados estan los paisajes, pinturas animalistas y las costumbristas. Las figuras solían ser realistas, que incluso podían ser crudas e impactantes. En cuanto a las técnicas usadas, estuvo el óleo, acuarela y la pintura al fresco. Además existió un gran empleo de la litografía para dibujos y pinturas .

jueves, 29 de abril de 2010

La ilustración y el neoclasicismo

En el siglo XVIII, se presentan cambios radicales respecto al siglo anterior, en donde predominaba el oscurantismo, y es llamado el siglo de las luces. En esta época hay una comprensión racional de la vida y del mundo. Las ideas principales de esta época son la libertad y la sabiduría. Además, el hombre muestra un interés por las leyes de la naturaleza, las ciencias físicas y experimentales.
El pensamiento político se basa en la idea de "todo por el pueblo pero sin el pueblo". Se dan reformas sociales y económicas.
En cuanto a las instituciones culturales, la llegada de los Borbones genera un afrancesamiento que favorece al desarrollo del pensamiento ilustrado.
Es entonces cuando surge el Nuevo Clásico o Neoclacisismo que es producto directo de la ilustración debido a que las nuevas tendencias del arte se generan en esta época a causa de una liberación de la expresión del ser humano.
Cuando el hombre descubre que puede ser capaz de realizar a su voluntad las cosas, toma el poder en sus manos de transformar el ambiente a su dispocion, como efecto las corrientes del arte fueron sacudidas por dicho pensamiento dandonos como resultado los "nuevo clásicos" de la era moderna.

jueves, 22 de abril de 2010

Antonio Canova

Nació en Possagno, actual Italia, en 1757-Venecia. Fue un reconocido escultor italiano. Debido a sus de sus humildes orígenes familiares, no pudo realizar estudios artísticos y comenzó practicando otros oficios. En 1768, por su traslado a Venecia, empezó a dedicarse a la escultura y velozmente alcanzó una fama y un prestigio que conservó durante toda su vida.
Sus primeras obras venecianas, como Orfeo y Eurídice o Dédalo e Ícaro, están empapadas del espíritu barroco que regía todavía en la ciudad. Cuando era ya un artista conocido, se estableció en Roma (1781), donde definió el estilo que lo define, inspirado en la Antigüedad clásica y poderosamente influido por los principios teóricos de Winckelman, Milizia y otros autores cuyas ciencias se hallan en la base del nacimiento del estilo neoclásico.
Sus primeras obras del período romano, como Teseo y el Minotauro, muestran la destreza técnica y la perfección en el acabado por la que destacaba. Sus obras cuentan con un detallismo casi artesanal. Fue un escultor que se formó a través del estudio y el trabajo; a causa de la práctica diaria del dibujo, es así que perfeccionó su estilo del desnudo y supo superar las deficiencias de sus primeros estudios anatómicos.
Sus pedidos provenían desde Napoleón hasta Catalina la Grande de Rusia. Era por esos momentos el principal escultor del estilo neoclásico, condición con la que se ha perpetuado su figura en la historia del arte.

Jacques Louis David

Nació en París (Francia) el 30 de agosto de 1748, a muy temprana edad comenzó a estudiar en la academia de París, es conocido como el fundador del neoclasicismo francés.
David recogió su inspiración a partir de un viaje que realizo a Italia, fue allí donde encontró partes de la gran civilización romana y de allí comenzó a realizar sus pinturas.
Mas adelante fue vinculado con la política, en la cual fue un miembro activo en la Revolución Francesa (considerado el líder de las artes), fue esto lo que lo llevo a la cárcel, luego al salir de la cárcel se convirtió en el pintor oficial de Napoleón Bonaparte, por lo que luego a su caída fue enviado a Bruselas.
Pero fue en la época de Napoleón Bonaparte donde David forma su escuela y esta a su vez se hace reconocida y empieza a recibir pintores de muchos lugares del mundo.
Los Inicios de David
David ingresa muy joven a la Academia de Paris, es ahí donde obtiene su primer premio y consigue viajar a Roma, es ahí donde se vuelve un gran dibujante. Luego aun en su estancia en Italia se dirige a conocer las y estudiar las Ruinas de Pompeya y Herculano, es d ahí de donde le viene su gran inspiración.
Su primera obra famosa fue Juramento de los Horarios, en esta obra nos relata la importancia del auto-sacrificio que tienen que realizar los hombres por su país y por el patriotismo, en este cuadro se representa los sentimientos de dolor, tristeza y lealtad.




Su segunda obra muy atractiva fue la de Los lictores llevan a Bruto el cuerpo de sus hijos, este cuadro nos narra la historia de un padre que manda a mata a sus porque sus hijos querían terminar con la Republica para poder volver a la monarquía. En esta obra también se representa el sentimiento de dolor que tiene un padre con la muerte de sus hijos.

La Revolución Francesa

David era un pintor que se encontraba muy ligado a la política, es así que fue nombrado diputado de la Convención y forma parte del Comité de Salvación

Se dedicó también a la restauración de monumentos, se ocupó del urbanismo y también enseño arte en esta época.

Su gran obra en este periodo fue la Muerte de Marat, trata de una pintura que contiene sencillez y austeridad, David exalta la honradez y sacrificio del político amigo que sólo vela por el bienestar del pueblo pero rechazando el enriquecimiento personal.
Además, David representa al cuchillo con el que fue asesinado Marat a la violencia irracional, de la asesina frente a la pluma y papel que es la sabiduría del tribuno, Este cuadro es considerado como si fuera una foto fija.

Napoleón

En esta etapa David se vuelve el retratista oficial de Napoleón, con el cual lleva una estrecha relación que une a pintura y teatro, y su importancia como elemento propagandístico, incorpora a David a la corte como retratista.
Una de sus pinturas mas resaltantes de Napoleon fue Napoleón a caballo
En este cuadro se representa a Napoleón como sereno dominador de la fuerza del caballo, con lo que identifica a Napoleón con Carlomagno, por tanto es una simbolización del nuevo héroe de Francia.

Albert Thorvaldsen



Albert Thorvaldsen (19 de noviembre de 1770 - 24 de marzo de 1844)
Nació en Copenhague y estudió en la Academia de Copenhague, lo cual más adelante le permitió ganar una beca para estudiar escultura clásica en Roma. Su primer éxito lo logró con una estatua de Jasón, lo cual lo hizo popular.
Estando en Roma hasta el año 1838 se convirtió en uno de los líderes del neoclasicismo.
En Copenhague comenzó la planificación del conjunto decorativo, a base de estatuas de mármol y relieves, para la nueva iglesia de Nuestra Señora , representando a Jesucristo y los doce Apóstoles.
La catedral de Copenhague había resultado destruida en el bombardeo británico de Copenhague , para lo cual se ejecutaron obras de reparación.
Muchas veces se le ha comparado con Antonio Canova. Sin embargo, Thorvaldsen tiene un estilo más griego que el artista italiano

Ademas de los motivos griegos de sus obras, también retrató al papa, hizo estatuas de personajes históricos como Copérnico, el príncipe Józef Poniatowski , a Johannes Gutenberg, entre otros.
Murió de manera repentina en el Teatro Real de Copenhague el 24 de marzo de 1844

La arquitectura neoclásica

La arquitectura neoclásica fue producto del movimiento neoclásico que comenzó a mediados del siglo XVIII


Pompeya y Herculano fueron los hallazgos históricos más importantes de la época ya que desde ese entonces se comenzaron a usar los símbolos que encontraron ahí y los edificios.


Sus construcciones se basaron en las características romanas como cupulas y bóvedas; y en las características griegas usaban la orden dórica y jónica, capiteles decorados con especies de volutas, frisos sin decoración y preferían usar el mármol de color blanco.

La arquitectura neoclasica fue una reacción contra la arquitectura del arte barroco. En vez de usar curvas se comenzaron a poner más líneas rectas, ponían más columnas que arcos y se adorna menos. Es decir, las formas son más simericas, lineales y con decoraciones sencillas.


Otras características son el uso de cornisas y frisos con metopas y triglifos, decoración con laureles y guirnaldas con motivos vegetales.


Las construcciones mas realizadas fueron templos, arcos y columnas conmemorativas, asi como también hospitales, teatros, bibliotecas y museos.


Existieron 2 estilos:

-Eclecticismo (1860-1876): se mezclan varios estilos arquitectónicos.

-Arquitectura del Hierro: se usó el hierro y derivados como material principal, ya que descubren que es fácil de moldear, y el metal.


El arte neoclásico tuvo mayor manifestación en Francia ya que se construyeron varios puentes, pabellones y grandes iglesias. Los arquitectos alemanes eran conservadores y los italianos siguieron usando sus modelos antiguos.

viernes, 16 de abril de 2010

Artes del romanticismo


Se originó en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción rebelde contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dándoles mayor prioridad a los sentimientos. Su principal característica es el rompimiento con la tradición clasicista que se sostenían en reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.
La Pintura se distingue en su afición por reflejar el paisaje, intenta reflejar el infinito . no significa, que los paisajistas no se percatasen de lo ilimitado del paisaje ni trataran de expresarlo de alguna manera en sus obras ; sino que, en el clasicismo este sentimiento y esta actitud siempre se encontraron limitados por la disciplina académica: la insistencia en los detalles individuales no dejaba espacio para percibir de un modo cabal la amplitud y la grandeza. Expresando de forma sencilla la monotonía y la inmensidad de los elementos de la naturaleza y una nueva actitud del ser humano ante el mundo natural.
La escultura romanticismo o realismo son difícilmente utilizables en sentido preciso para referirse a la escultura del siglo XIX. Sólo se puede hablar romanticismo en un sentido literario, en relación con las temáticas elegidas por los escultores. Esta filosofía de la vida del romanticismo se trasluce en la idea del Jardín Inglés también se reflejó en las esculturas incluidas en tales jardines, así como también en la escultura funeraria ; pero eso no era propiamente ‘escultura romántica’. Además, si entendemos por ‘romanticismo’, como en otros géneros artísticos, profundidad de contenido e independencia de los modelos del pasado, entonces hay que decir que la escultura de la época nunca se aventuró más allá de la esfera de lo subjetivo, es decir, de lo puramente narrativo.
La arquitectura
El estilo arquitectónico que caracteriza el período estudiado es el llamado Clasicismo Romántico, aparecido en Inglaterra y Francia desde mediados del siglo XVIII y que había sido presagiado en la obra de G.B. Piranesi. Los primeros cultivadores de esta tendencia fueron los cuatro arquitectos ‘revolucionarios’ que Peter Collins considera los verdaderos precursores de la Arquitectura moderna:
a) Dar el mejor acomodo con el menor coste posible (edificación privada).
b) Dar el mejor acomodo para una determinada cantidad de público (edificación pública).

Artes del neoclasicismo


El término Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar peyorativamente al movimiento estético que venía de la Ilustración que desde mediados del siglo XVIII, se venía produciendo en la filosofía y que consecuentemente se había transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargo después de la caída de Napoleón los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia el Romanticismo y el Neoclasicismo fue dejado.
La arquitectura en el Neoclasicismo se expande las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con carácter monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara la última arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo arquitectónico de validez universal.
En la escultura neoclásica se asentó el recuerdo del pasado. Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza. Los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en las que prevalecerá una sencillez y de líneas que los apartará del gusto curvilíneo del Barroco. La pintura planteaban un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer plano con un predominio del dibujo. Los pintores se encargaron de reproducir los principales hechos de la revolución y sobre todo se esmeraron en exaltar los mitos romanos, a los que posteriormente se identificó con los valores de la revolución

La Ilustración

La Ilustración fue un movimiento cultural en Europa que se desarrolló en Francia e Inglaterra en el siglo XVIII hasta el inicio de la Revolución francesa. Fue denominado de esta manera porque su funcionabilidad consistía en iluminar de las sombras al mundo mediante la razón. Por este motivo el siglo XVIII es conocido, como el Siglo de las Luces.
Los pensadores de la Ilustración afirmaban que la razón humana era la única arma que podía combatir la ignorancia, la superstición y la tiranía, y por ende, construir un mundo mejor.
La Ilustración significa el movimiento del hombre al salir de una necedad mental de la que él mismo es culpable. Que lo hacía incapaz de usar la propia razón sin la guía de otra persona.Teniendo influencia en la economía, la política y sociedad de la época.
Tuvo su repercusión en el arte, ya que abrió paso al Neoclasicismo tras el que surgirá, el Romanticismo del siglo XIX.

jueves, 15 de abril de 2010

Rococó

Es un movimiento artístico que nació en Francia, desarrollado en los años 1730 y 1770, durante los reinados de Luis XV y Luis XVI, se instauro en Francia, Italia y España. Este estilo se dio luego de la culminación del Barroco, pero este estilo tiene diferencias muy marcadas con el estilo barroco, ya que el Rococó se caracteriza por la elegancia y representación de la vida cotidiana de las personas de clase alta, emplean colores pasteles muy suaves y luminosos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco, en este estilo las formas predominantes son inspiradas en la mitología, en la naturaleza y especialmente en los temas relacionados con el amor y la galantería.





El estilo Rococó es dedicado para dar gusto a las personas de la aristocracia ya que nos muestran su gusto por la elegancia, lo delicado, lo refinado, los exótico, lo sensual y lo intimo, porque nos presentan su despreocupada vida y su sociedad que no esta ligada a cuestiones religiosas y a la superficialidad de las personas de esta clase ya que se puede considerar como un arte exclusivo de la aristocracia.





Arquitectura



En arquitectura, los edificios mantienen un trazado externo simple, sin embargo, en el interior la decoración es muy importante porque se desborda, ya que es libre y asimétrica.



El rococó impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas ondulantes e irregulares. Mayormente utilizaban elementos como las piedras marinas, las conchas, también usaban las formas vegetales, lo que nos da una sensación de fantasía a comparación de la fachada que es caracterizada por su sencillez y su simplicidad por se lisas, algunas muestran unas molduras para poner separar una planta de otra o enmarcar puertas y ventanas, generalmente su arquitectura constaba de un pabellón central entre dos alas bajas y curvas a los lados, siempre rodeado de grandes jardines o bosques. Una característica muy resaltante de este estilo son las grandes ventanas también llamadas ventanas francesas para conseguir que la luz se adhiera con la naturaleza del interior, formando un paisaje.



Pintura



La pintura llega a su máximo esplendor en los años 1730. Trataban los temas de las fiestas galantes y campestres, historias amorosas y pastoriles, muy alegres. Los pintores utilizaban colores pasteles, claros y suaves, con formas curvas. En las pinturas arreglan la mitología agregando querubines como mitos de amor, solían utilizar a la mujer y su bella figura sensual como inspiración.



Escultura



La escultura fue desarrollada en porcelana y utilizaron temas amorosos, muy alegres así como la naturaleza y las líneas curvas y asimétricas, aquí aparece la dulzura y el intimismo





viernes, 9 de abril de 2010

Rembrandt

En 1625, abrió taller en Leiden junto con Jan Lievens. Durante los años de Leiden, el arte de Rembrandt evolucionó desde unos inicios de colores brillantes y gestos grandilocuentes hacia una técnica al claroscuro. El empleo que hizo el artista de esta tecnica del Barroco es lo que le da a su obra una fuerza y una personalidad indiscutibles. Por los años de 1630, el claroscuro se convierte en el más poderoso medio de expresión del pintor, tal como evidencian obras como Sansón traicionado por Dalila y La presentación de Jesús en el templo.

A la muerte de su padre, se muda a Amsterdam, donde se asoció con el marchante Hendrick van Uylenburgh, con cuya hija, Saskia, se casó. Prosperando así económica de vida mundana y ordinaria, que termino en 1642, año en que muere su esposa. Por motivos económicos, que en 1656 se vio obligado a subastar todas sus pertenencias (casa, colecciones de arte, etc.). Conto con la ayuda de Hendrickje Stoffels, que se encargo de su hijo Tito y con quien mantuvo una relación sentimental, sin llegar a casarse con ella para no perder la herencia de Saskia.

Rembrandt refleja en sus obras los momentos dos momentos de su vida la prospera y la adversa, reflejados en sus autorretratos, constantes a lo largo de toda su trayectoria; tendiendo así muestra de cuadros alegres, brillantes y un tanto superficiales, como otros sombríos, serenos, y reflejan una profundidad muy superior, a final de sus últimos años. Sin dejar de lado el estilo religioso que también brilló su talento de maestro del Barroco.

Otra característica son sus magníficos retratos de grupo, alejados de los convencionalismos al uso. La composición, la caracterización de los personajes, el estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, son las características de sus obras que las llenan de vida. En las creaciones de los últimos años (El hombre del yelmo de oro, Jacob bendice a los hijos de José o La novia judía), Rembrandt alcanza un nivel de madurez, del estilo conseguido a base de años y de esfuerzo, y manifiesta un absoluto dominio de las técnicas y de los efectos.

Rembrandt fue también un gran dibujante y un grabador genial, dejando unos 1.500 dibujos y casi 400 grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras absolutamente barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos. En todo ello se asemejan a las pinturas del artista, de las cuales se diferencian en la mayor importancia que en dibujos y grabados tiene la línea sobre el claroscuro.

Caravaggio


Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571 - Porto Ércole, 18 de julio de 1610), es considerado el primer exponente de la pintura barroca.

Caravaggio comenzó a incursionar en la pintura al ser aprendiz del pintor Simone Peterzano. Viajó por diversas ciudades como Venecia, Milán (regresó después de años)y Roma, lo que le permitió adquirir conocimientos.
En Roma comienza su éxito trabajando en un taller, lo cual deja años más tarde para trabajar por su cuenta. Los contactos que él tuvo le permitió ser conocido entre la clase alta y luego ser contratado por la Iglesia. Sin embargo, con esta tuvo problemas, pues él mostraba las imagenes con mucha naturalidad.Al final de sus días comete un asesinato, por lo cual huye, pero no impide que siga pintando. Él muere, según se cree a causa de fiebre en Toscana

Se caracterizó por la producción de pinturas religiosas, las cuales fueron muchas veces rechazadas por el realismo de las figuras religiosas y por la elección de sus modelos. Al plasmar a los modelos, no buscaba que se vean perfectos sino que se vea la realidad.

Caravaggio utilizó la oscuridad (sombras) en el claroscuro. El claroscuro ya existía mucho antes del arribo de Caravaggio a la pintura, pero fue éste quien le dio la técnica definitiva, oscureciendo las sombras y transformando el objeto en un eje de la luz. Este tipo de pintura permitía que los artistas plasmaran el físico y la psicología de los personajes de forma veraz.
La difusión de sus pinturas, hizo que se hiciera conocido y admirado dentro de un grupo de jóvenes artistas romanos y el caravaggismo se convirtió en la moda. Entre los artistas a los cuanles influyó estan Rubens, Rembrandt y Velázquez.

jueves, 25 de marzo de 2010

El Arte Bárroco

Al Barroco se le conoce como el período que transcurre desde el siglo XVII al XVIII. Este se difundió por todas las naciones de Europa.
El arte barroco cumplió un papel muy importante en los conflictos religiosos de este periodo. Se caracteriza por su estilo sobrio y sin decoración.
La iglesia católica usó para sus fines litúrgicos el esplendor y la complejidad barrocos.
La monarquía utilizó la grandeza de este arte para poder hacer propagandas que los favoreciesen, ya sea en el arte o en la sociedad.


Características en Italia

Las nuevas concepciones artísticas que surgieron fueron a causa de la contrarreforma debido al conflicto ético que se origino en aquel momento en la Iglesia católica.
Los tres grandes nombres del período mayor del florecimiento barroco en la arquitectura, Piero de Cortona, Bernini y Borrominni entre otros.

Características del barroco en Francia
En Francia surge una generación de grandes pintores, dotados de personalidad, inspirado por el clasicismo pagano italiano.
Dentro de los edificios característicos del arte francés fueron los palacios, el palacio de Versalles, el cual Luis XIV hizo embellecer y ampliar.


Arquitectura

La arquitectura barroca se caracteriza por sus superficies onduladas, las plantas elípticas. Además, se puede encontrar una exageración de la monumentalidad.
Esta, influyó activamente en América del Sur, y dentro de sus principales figuras representativas están los arquitectos José de Churriguera (retablo de San Esteban de Salamanca), José de Ribera y a arquitectos del s. XVIII como Hipólito Rovira. Asimismo, están Casas Novoa y Leonardo de Figueroa. Este último destaca por sus manifestaciones como la basílica de Guadalupe, la fachada del Sagrario de la catedral, la capilla del Pocito y las iglesias poblanas, en México. En el Perú, la arquitectura se entremezcla el empleo de la columna salomónica con el de la hojarasca decorativa indígena.




Escultura
En esta época la intensión de la escultura fue de sentido decorativo en la composición general, con cierto gusto por la teatralidad; es decir que no representaba una escena amplia como en el Renacimiento sino que ahora solo se concentraban en una única acción.
Se encargan de reflejar los fondos de los retratos y los altares de las iglesias, destacando el movimiento y el dinamismo en todas las acciones.
Sus imágenes revelan pasiones violentas, lentas y enaltecidas.
Los artistas Greco y de Caravaggio resaltaron nuevos contenidos religiosos y moralista, contribuyendo a una diferente renovación de la expresión figurativa en ese momento.



Pintura

Incremento el creciente interés por la decoración en todas las obras. Tienen sus inicios en las alegorías de los cuadros devotos (la calavera, el éxtasis celestial, la mirada en rapto doloroso o apasionado). Sus obras connotan pasión, con un intenso claroscuro en las tonalidades.